Fast zehn Jahre lang wurde Dragon Ball Xenoverse 2 erweitert. Neue Charaktere, Geschichten, Transformationen, Spielmodi und technische Fassungen sorgten dafür, dass die Zeitpatrouille selbst dann noch aktiv blieb, als längst mehrere neue Dragon Ball Spiele erschienen waren.

Mit Future Saga Chapter 4 endete diese ungewöhnlich lange Reise am 8. Juli 2026 schließlich offiziell. Bandai Namco bezeichnete die Erweiterung als Abschluss einer Geschichte, die beinahe zehn Jahre zuvor mit der Veröffentlichung von Xenoverse 2 begonnen hatte.

Die lange Unterstützung allein erklärt den Erfolg jedoch nicht.

Updates können ein Spiel nur dann am Leben halten, wenn Spieler überhaupt einen Grund besitzen, zurückzukehren. Neue Kämpfer reichen dafür nicht automatisch aus. Auch eine bekannte Lizenz garantiert keine dauerhafte Community.

Xenoverse 2 hatte technische Schwächen, ein häufig repetitives Missionsdesign, eine unübersichtliche DLC Struktur und ein Kampfsystem, das nie die Präzision eines klassischen Fighting Games erreichte. Trotzdem überschritt das Spiel bis 2023 die Marke von zehn Millionen ausgelieferten Exemplaren und digital verkauften Einheiten. Nach Angaben von Produzent Masayuki Hirano spielten zu diesem Zeitpunkt weltweit weiterhin ungefähr eine Million Menschen pro Monat.

Der außergewöhnliche Erfolg entstand deshalb nicht, weil Xenoverse 2 über Jahre hinweg das modernste oder spielerisch beste Dragon Ball Spiel blieb.

Es überlebte, weil es eine Fantasie bediente, die seine Konkurrenz nie vollständig ersetzen konnte.

Der eigene Charakter war wichtiger als das wachsende Roster

Dragon Ball Spiele leben traditionell von ihren bekannten Figuren.

Goku, Vegeta, Gohan, Piccolo, Freezer und zahlreiche weitere Charaktere gehören zu den wichtigsten Verkaufsargumenten. Neue Formen und bislang nicht spielbare Kämpfer erzeugen Aufmerksamkeit, bestimmen Trailer und motivieren Fans zum Kauf zusätzlicher Inhalte.

Auch Xenoverse 2 baute sein Roster über Jahre hinweg deutlich aus. Der entscheidende Unterschied lag jedoch darin, was neue Charaktere für das restliche Spiel bedeuteten.

Ein DLC Kämpfer war nicht ausschließlich eine zusätzliche Figur für den Auswahlbildschirm. Seine Fähigkeiten, Kleidungsstücke, Posen oder Kampfstile konnten häufig auch den eigenen Zeitpatrouilleur erweitern.

Dadurch besaß beinahe jeder neue Inhalt zwei Ebenen.

Spieler konnten den neuen Charakter direkt verwenden. Gleichzeitig konnten sie Teile seiner Identität in ihren eigenen Helden übernehmen.

Produzent Masayuki Hirano erklärte rückblickend, dass das ursprüngliche Xenoverse Konzept darauf ausgerichtet war, Spieler selbst in die Welt von Dragon Ball einzusetzen. Statt den eigenen Kämpfer lediglich als Avatar zu behandeln, sollte jede Person als Held der Geschichte wahrgenommen werden. Diese Idee sei während der Entwicklung noch ungewöhnlich gewesen und habe sich bewusst von früheren Dragon Ball Spielen unterschieden, in denen hauptsächlich bekannte Figuren gesteuert wurden.

Genau diese Entscheidung war die Grundlage der langfristigen Bindung.

Ein großer Charakterkader bietet Auswahl. Ein selbst erstellter Charakter schafft Besitzgefühl.

Spieler investierten nicht nur Zeit in das Freischalten beliebter Kämpfer. Sie bauten ihren eigenen Saiyajin, Namekianer, Majin, Erdling oder Angehörigen von Freezers Volk auf. Sie verteilten Attribute, suchten nach Fähigkeiten, kombinierten Kleidung und entwickelten einen persönlichen Kampfstil.

Damit wuchs nicht nur der Spielstand.

Es entstand eine Figur mit einer eigenen Geschichte.

Wer über Jahre hinweg denselben Zeitpatrouilleur weiterentwickelte, hatte einen stärkeren Grund zur Rückkehr als jemand, der lediglich einen weiteren bekannten Charakter ausprobieren wollte.

Xenoverse 2 verkaufte keine perfekte Figur, sondern eine persönliche

Die Charaktererstellung von Xenoverse 2 war selbst für ihre Zeit nicht besonders umfangreich.

Körperformen, Gesichter, Frisuren und Stimmen boten nur eine begrenzte Auswahl. Viele Spieler wünschten sich über Jahre hinweg mehr Spezies, detailliertere Anpassungen und größere Unterschiede zwischen den einzelnen Figuren.

Trotzdem funktionierte das System.

Der Grund lag darin, dass die Persönlichkeit des eigenen Charakters nicht nur durch den Editor entstand. Sie entwickelte sich aus der Kombination zahlreicher Spielsysteme.

Welche Techniken sollte der Zeitpatrouilleur verwenden?

Sollte er sich auf Nahkampf, Ki Angriffe oder Unterstützung konzentrieren?

Bei welchem Meister sollte er trainieren?

Welche Transformation passte zu seiner Herkunft?

Welche Kleidung entsprach der eigenen Vorstellung eines Dragon Ball Helden?

Xenoverse 2 erlaubte nicht immer, exakt die gewünschte Figur zu erschaffen. Es gab Spielern aber genügend Bausteine, um eine persönliche Interpretation zu entwickeln.

Das Spiel behandelte Dragon Ball dadurch wie einen großen kreativen Baukasten.

Ein Charakter konnte Vegetas Kampfstil, Piccolos Kleidung, Freezers Angriffe und eine Transformation aus einem vollkommen anderen Abschnitt der Reihe miteinander verbinden. Diese Kombination musste innerhalb der offiziellen Geschichte keinen Sinn ergeben.

Sie musste dem Spieler gefallen.

Hirano erklärte 2023, dass DLC Inhalte nicht nur nach der Beliebtheit eines Kämpfers ausgewählt wurden. Das Team berücksichtigte ebenfalls, welche Techniken, Posen und stilistischen Elemente den eigenen Figuren der Spieler weitere Möglichkeiten geben konnten. Xenoverse 2 sollte damit nicht nur erlauben, einen bekannten Charakter zu spielen, sondern Teile seines Stils zu übernehmen.

Genau darin lag die langfristige Stärke der Erweiterungen.

Jeder neue Inhalt konnte den persönlichen Dragon Ball Helden erneut verändern.

Conton City wurde zu einem digitalen Zuhause

Auch Conton City spielte eine entscheidende Rolle.

Die Stadt war keine offene Welt und bot nur begrenzte Möglichkeiten zur Interaktion. Viele Gebäude blieben reine Kulisse. Zahlreiche Aktivitäten führten über Händler, Figuren und Portale letztlich wieder in Menüs oder abgeschlossene Kampfmissionen.

Trotzdem erfüllte Conton City eine wichtige soziale und emotionale Funktion.

Die Stadt gab der Zeitpatrouille einen festen Ort.

Spieler kehrten nach Missionen zurück, trafen Mentoren, kauften Gegenstände und begegneten den Charakteren anderer Menschen. Dadurch waren die selbst erstellten Figuren nicht ausschließlich innerhalb eines persönlichen Spielstands sichtbar.

Sie wurden Teil einer gemeinsamen Welt.

Bandai Namco beschreibt Xenoverse 2 bis heute über genau diese Verbindung aus Charaktererstellung, Conton City, Mentoren und dem Schutz der Dragon Ball Geschichte. Diese Elemente bilden nicht nur einzelne Funktionen, sondern das grundlegende Identitätsversprechen des Spiels.

Andere Dragon Ball Titel besaßen ebenfalls Online Modi, Mehrspielerkämpfe oder umfangreiche Menüs. Conton City vermittelte jedoch stärker das Gefühl, dauerhaft Mitglied einer Organisation zu sein.

Der Zeitpatrouilleur loggte sich nicht lediglich für den nächsten Kampf ein.

Er kehrte an seinen Arbeitsplatz zurück.

Diese Wirkung wurde durch die Figuren anderer Spieler verstärkt. Conton City war gleichzeitig Treffpunkt und Ausstellung. Überall waren unterschiedliche Interpretationen des Dragon Ball Universums sichtbar.

Manche Spieler erschufen eigene Charaktere.

Andere versuchten, Figuren aus dem Manga und Anime nachzubauen.

Wieder andere kombinierten bewusst absurde Kleidungsstücke, Farben und Fähigkeiten.

Die technische Interaktion blieb begrenzt, doch allein die sichtbare Präsenz dieser Figuren unterstützte die Vorstellung einer großen Zeitpatrouille.

Xenoverse 2 war dadurch kein klassisches Online Rollenspiel.

Es übernahm aber einen seiner wichtigsten emotionalen Mechanismen: das Gefühl, an einen beständigen Ort zurückzukehren.

Die Zeitreisehandlung konnte beinahe alles aufnehmen

Die erzählerische Grundidee war ebenfalls ideal für eine lange Unterstützung.

Xenoverse 2 musste neue Figuren nicht innerhalb einer realistischen Chronologie erklären. Die gesamte Reihe basierte auf beschädigten Zeitlinien, alternativen Ereignissen und Eingriffen in bekannte Momente.

Dadurch konnte nahezu jeder neue Dragon Ball Inhalt eingebaut werden.

Ein neuer Film erschien?

Seine Figuren konnten durch zusätzliche Missionen und Parallel Quests integriert werden.

Eine neue Transformation wurde im Anime gezeigt?

Sie konnte später als spielbarer Charakter oder Fähigkeit des eigenen Zeitpatrouilleurs erscheinen.

Eine Figur passte eigentlich nicht in den aktuellen Abschnitt der Geschichte?

Eine veränderte Zeitlinie lieferte die notwendige Begründung.

Dieses Konzept war nicht immer erzählerisch anspruchsvoll. Häufig wurden bekannte Kämpfe nur leicht verändert, während Gegner zusätzliche Kräfte erhielten oder Figuren früher als vorgesehen auftauchten.

Für eine dauerhaft erweiterbare Plattform war die Struktur jedoch außerordentlich praktisch.

Xenoverse 2 musste seine Geschichte nie vollständig abschließen.

Towa, Mira und später vor allem Fu konnten immer neue Veränderungen verursachen. Jede Reparatur der Zeitlinie konnte durch den nächsten Eingriff wieder gefährdet werden.

Das Spiel funktionierte dadurch beinahe wie eine fortlaufende Anime Serie. Neue Konflikte konnten an den bestehenden Rahmen angefügt werden, ohne die gesamte Grundlage neu entwickeln zu müssen.

Diese Flexibilität machte Xenoverse 2 zu einem Archiv der sich weiterentwickelnden Marke Dragon Ball.

Das Spiel begann 2016 mit einem bestimmten Stand der Anime und Filmgeschichte. Über seine Erweiterungen nahm es später Inhalte aus Dragon Ball Super, Dragon Ball Super: Broly, Dragon Ball Super: Super Hero und Dragon Ball DAIMA auf.

Die Zeitpatrouille wuchs parallel zum Franchise.

Kostenlose Updates hielten auch das Grundspiel relevant

Die kostenpflichtigen DLCs allein hätten diesen Kreislauf vermutlich nicht über fast zehn Jahre getragen.

Entscheidend war die regelmäßige Verbindung mit kostenlosen Updates.

Neue Transformationen, höhere Levelgrenzen, Raid Missionen, Partneranpassungen, Kostüme, Maskottchen, Fähigkeiten und zusätzliche Systeme sorgten dafür, dass auch Besitzer des Grundspiels immer wieder Veränderungen bemerkten.

Dadurch entstanden regelmäßige Rückkehrpunkte.

Spieler öffneten Xenoverse 2 zunächst wegen eines kostenlosen Updates. Anschließend sahen sie neue Figuren, Missionen oder Fähigkeiten aus dem begleitenden DLC.

Dieses Modell war wirtschaftlich geschickt. Die kostenlosen Inhalte stabilisierten die aktive Community, während die kostenpflichtigen Erweiterungen weitere Einnahmen erzeugten.

Es wäre allerdings zu einfach, diese Strategie ausschließlich als Monetarisierung abzuwerten.

Viele der kostenlosen Inhalte erweiterten ausgerechnet den wichtigsten Teil des Spiels: den eigenen Zeitpatrouilleur.

Neue Transformationen oder zusätzliche Partneranpassungen konnten den bestehenden Charakter aufwerten, ohne dass zwingend ein vollständiges Erweiterungspaket gekauft werden musste.

Damit blieb der persönliche Fortschritt nicht vollständig hinter einer Bezahlschranke verborgen.

Gleichzeitig darf die problematische Seite nicht ignoriert werden.

Die Menge verschiedener Super Packs, Extra Packs, Ultra Packs, Legendary Packs, Pack Sets und weiterer Einzelveröffentlichungen wurde zunehmend unübersichtlich. Neue Spieler konnten nur schwer erkennen, welche Inhalte sie benötigten und welche Erweiterungen bereits in bestimmten Editionen enthalten waren.

Xenoverse 2 profitierte von seiner DLC Struktur.

Es litt aber ebenfalls unter ihr.

Der Einstieg blieb über Jahre vergleichsweise niedrig

Ein weiterer Erfolgsfaktor war die Zugänglichkeit.

Xenoverse 2 verlangte keine tiefgehende Kenntnis komplexer Fighting Game Systeme. Spieler konnten grundlegende Kombinationen, Spezialangriffe und Transformationen vergleichsweise schnell einsetzen.

Das bedeutete nicht, dass das Spiel keinerlei Tiefe besaß. Attribute, Superseelen, Fähigkeiten, Ausdauerverwaltung, Bewegung und verschiedene Kampftechniken konnten im direkten Wettbewerb einen deutlichen Unterschied machen.

Der grundsätzliche Einstieg blieb jedoch verständlich.

Ein Dragon Ball Fan konnte einen eigenen Charakter erschaffen, bekannte Techniken auswählen und relativ schnell spektakuläre Kämpfe erleben.

Für ein Spiel mit langfristiger Community war diese Zugänglichkeit wichtig.

Ein stark kompetitives Fighting Game kann Spieler über Jahre binden, stellt Neulinge aber häufig vor hohe Einstiegshürden. Xenoverse 2 bot stattdessen mehrere unterschiedliche Beschäftigungen.

Spieler konnten die Kampagne erleben.

Sie konnten Parallel Quests allein oder gemeinsam absolvieren.

Sie konnten Fähigkeiten sammeln.

Sie konnten Raids spielen.

Sie konnten Figuren gestalten und fotografieren.

Sie konnten sich im PvP messen.

Nicht jeder musste Xenoverse 2 aus demselben Grund spielen.

Dadurch verteilte sich die Community auf unterschiedliche Interessen. Manche Menschen suchten Wettbewerb, andere Sammelfortschritt, Kooperation oder die kreative Gestaltung ihres Charakters.

Das Spiel musste in keiner einzelnen Disziplin perfekt sein, solange die Kombination seiner Systeme funktionierte.

Die Schwächen wurden durch Gewöhnung nicht zu Stärken

Die lange Laufzeit darf dennoch nicht mit dauerhafter Qualität verwechselt werden.

Viele Probleme aus dem Jahr 2016 begleiteten Xenoverse 2 bis zu seinem Ende.

Die Kamera verlor in Kämpfen mit mehreren Figuren schnell die Übersicht.

Die künstliche Intelligenz verhielt sich häufig unzuverlässig.

Parallel Quests bestanden meist aus ähnlichen Kampfabläufen.

Gewünschte Fähigkeiten und Ausrüstungsgegenstände mussten teilweise durch wiederholtes Spielen derselben Missionen freigeschaltet werden.

Die Balance zwischen Charakterwerten, Superseelen, Transformationen und Techniken war schwer kontrollierbar.

Hinzu kamen Online Probleme, die besonders in kompetitiven Kämpfen frustrierend sein konnten.

Auch die technische Präsentation alterte sichtbar. Die 2024 veröffentlichten Fassungen für PlayStation 5 und Xbox Series X|S ermöglichten zwar Upgrades und die Übertragung bestehender Spielstände, veränderten jedoch nicht das grundlegende Design eines Spiels aus dem Jahr 2016.

Xenoverse 2 wurde technisch verlängert.

Es wurde dadurch nicht vollständig modernisiert.

Gerade diese Schwächen erklären, weshalb die Community über Jahre nach einem echten Nachfolger verlangte. Neue DLCs konnten das bestehende Fundament erweitern, aber nicht ersetzen.

Mehr Inhalte lösten keine strukturellen Probleme.

Eine weitere Transformation verbesserte nicht automatisch die Kamera.

Ein neuer Charakter machte Parallel Quests nicht abwechslungsreicher.

Eine höhere Levelgrenze verlieh der Geschichte keine größeren Entscheidungen.

Die lange Unterstützung war beeindruckend. Sie zeigte gleichzeitig immer deutlicher, wie dringend die Reihe irgendwann ein neues Fundament benötigen würde.

FighterZ war das bessere Kampfspiel, aber kein Ersatz

Dragon Ball FighterZ erschien 2018 und bot genau jene Präzision, die Xenoverse 2 häufig fehlte.

Arc System Works entwickelte ein kompetitives Drei gegen Drei Fighting Game mit einer auffälligen Anime Inszenierung, klaren Rollen innerhalb der Teams und einer deutlich stärkeren Konzentration auf direkte Duelle.

Bandai Namco und die verantwortlichen Produzenten positionierten beide Spiele bewusst unterschiedlich. FighterZ sollte intensive Kämpfe und eine wettbewerbsorientierte Erfahrung bieten. Xenoverse 2 richtete sich stärker an Spieler, die ihren eigenen Charakter erschaffen und in die Welt von Dragon Ball eintauchen wollten.

Diese Trennung war entscheidend.

FighterZ übernahm nicht die Rolle von Xenoverse 2.

Es besetzte einen anderen Bereich.

Wer ein möglichst präzises Dragon Ball Fighting Game suchte, fand in FighterZ die überzeugendere Wahl. Wer seinen eigenen Saiyajin erstellen, Fähigkeiten sammeln und gemeinsam mit Freunden Missionen absolvieren wollte, hatte weiterhin einen Grund, Xenoverse 2 zu spielen.

Beide Spiele überschritten bis 2023 jeweils zehn Millionen ausgelieferte beziehungsweise digital verkaufte Einheiten. Das zeigt, dass sie sich nicht zwangsläufig gegenseitig verdrängten. Sie konnten unterschiedliche Teile derselben Fanbasis ansprechen.

Xenoverse 2 musste FighterZ nicht besiegen.

Es musste nur etwas anbieten, das FighterZ bewusst nicht sein wollte.

Kakarot erzählte die bessere Dragon Ball Geschichte

Dragon Ball Z: Kakarot setzte 2020 einen anderen Schwerpunkt.

Das Action Rollenspiel ließ Spieler die Geschichte von Goku erneut erleben, größere Gebiete erkunden, trainieren, essen, angeln und Beziehungen zu bekannten Figuren aufbauen. Bandai Namco beschrieb das Spiel ausdrücklich als Möglichkeit, Gokus Geschichte und seinen Alltag innerhalb der Dragon Ball Z Welt nachzuerleben.

Damit erfüllte Kakarot viele Wünsche, die Xenoverse 2 nur teilweise bedienen konnte.

Die bekannten Ereignisse wurden aufwendiger inszeniert.

Die Spielwelt besaß mehr Erkundungsmöglichkeiten.

Zentrale Kämpfe erhielten eine stärkere dramaturgische Bedeutung.

Kakarot war dadurch die überzeugendere Wahl für Spieler, die Gokus Reise möglichst umfassend erleben wollten.

Doch auch dieses Spiel ersetzte Xenoverse 2 nicht.

Kakarot erzählte hauptsächlich die Geschichte einer bereits bekannten Figur. Xenoverse 2 gab den Spielern eine eigene Rolle.

Das eine Spiel ließ uns Gokus Leben nacherleben.

Das andere ließ uns neben ihm kämpfen.

Dieser Unterschied war größer, als er zunächst wirkte.

Kakarot übertraf bis Januar 2026 ebenfalls zehn Millionen verkaufte Einheiten und entwickelte sich damit zu einem weiteren langfristig erfolgreichen Dragon Ball Spiel.

Trotzdem blieb der eigene Charakter ein Alleinstellungsmerkmal von Xenoverse.

Sparking! Zero bot größere Schlachten, aber kein eigenes Leben

Mit Dragon Ball: Sparking! Zero erschien 2024 schließlich ein Titel, der besonders durch sein umfangreiches Roster, zerstörbare Arenen und spektakuläre dreidimensionale Kämpfe auffiel.

Das Spiel setzte die Tradition der Budokai Tenkaichi Reihe fort und konzentrierte sich auf bekannte Charaktere, ihre Transformationen, individuellen Techniken und groß inszenierte Duelle.

Sparking! Zero startete außerordentlich erfolgreich. Bereits innerhalb der ersten 24 Stunden wurden mehr als drei Millionen Exemplare verkauft. Bis Februar 2025 stieg die Zahl auf über fünf Millionen. Bandai Namco bezeichnete es zu diesem Zeitpunkt als das am schnellsten verkaufte Dragon Ball Konsolenspiel.

Auch hier schien sich zunächst die Frage zu stellen, ob Xenoverse 2 nun endgültig ersetzt werden könnte.

Doch Sparking! Zero bediente erneut eine andere Fantasie.

Es ließ Spieler die mächtigsten Figuren aus Dragon Ball in spektakulären Schlachten aufeinandertreffen. Es setzte auf Wiedererkennungswert, Größe und die Inszenierung bekannter Kräfte.

Xenoverse 2 setzte auf persönliche Entwicklung.

Sparking! Zero gab uns ein riesiges Roster.

Xenoverse 2 gab uns einen eigenen Platz innerhalb dieses Rosters.

Wer hauptsächlich bekannte Kämpfer kontrollieren und große Auseinandersetzungen erleben wollte, fand in Sparking! Zero die modernere und spektakulärere Alternative.

Wer einen eigenen Charakter entwickeln, Fähigkeiten sammeln und Teil der Zeitpatrouille bleiben wollte, erhielt weiterhin keine vollständige Ablösung.

Xenoverse 2 besetzte die Lücke zwischen mehreren Genres

Der eigentliche Erfolg von Xenoverse 2 lag deshalb nicht in einer einzelnen Mechanik.

Das Spiel verband mehrere Genres, ohne eines davon vollständig zu beherrschen.

Es war ein Arena Fighter, aber kein besonders präzises Fighting Game.

Es besaß Rollenspielwerte, aber keine tiefgehenden Rollenspielentscheidungen.

Es bot Online Hubs und kooperative Missionen, war aber kein echtes Online Rollenspiel.

Es erzählte eine Dragon Ball Geschichte, erreichte aber nicht die Inszenierung von Kakarot.

Es enthielt zahlreiche bekannte Kämpfer, besaß aber nicht die Größe und Präsentation von Sparking! Zero.

Auf dem Papier könnte diese Mischung wie ein Nachteil wirken.

In der Praxis wurde sie zum Alleinstellungsmerkmal.

Kein anderes Dragon Ball Spiel verband den eigenen Charakter, Mentoren, Fähigkeiten, Transformationen, kooperative Missionen, Online Duelle und einen gemeinsamen Hub auf dieselbe Weise.

Xenoverse 2 war in vielen Bereichen nicht die beste Wahl.

Es war aber lange die einzige Wahl für genau diese Kombination.

Die Community hielt nicht nur das Spiel, sondern ihre Figuren am Leben

Der Erfolg von Xenoverse 2 lässt sich deshalb nicht ausschließlich anhand neuer Inhalte oder Verkaufszahlen erklären.

Viele Spieler kehrten nicht nur wegen Goku, Vegeta oder einer neuen Transformation zurück.

Sie kehrten wegen ihres eigenen Charakters zurück.

Dieser Zeitpatrouilleur hatte möglicherweise bereits die Saiyajin Saga repariert, gegen Mira gekämpft, bei verschiedenen Meistern trainiert, zahllose Parallel Quests abgeschlossen und über mehrere Erweiterungen hinweg neue Fähigkeiten erhalten.

Er war kein offiziell festgelegter Teil der Dragon Ball Geschichte.

Für den jeweiligen Spieler war er es trotzdem.

Diese persönliche Bindung verwandelte Content in Kontinuität.

Ein neuer DLC war nicht immer ein vollständig neues Erlebnis. Er war das nächste Kapitel für eine Figur, die bereits seit Jahren existierte.

Genau deshalb konnte selbst vergleichsweise kleiner Nachschub Wirkung entfalten.

Ein neues Kostüm konnte die äußere Entwicklung des Charakters darstellen.

Eine neue Fähigkeit konnte seinen Kampfstil verändern.

Eine weitere Transformation konnte sich wie der nächste Schritt seiner persönlichen Reise anfühlen.

Xenoverse 2 musste nicht bei jedem Update eine neue Welt erschaffen.

Es musste den Spielern nur erlauben, ihre bestehende Welt weiterzuführen.

Eine beeindruckende Laufzeit mit einem notwendigen Ende

Die fast zehnjährige Unterstützung von Xenoverse 2 war außergewöhnlich.

Das Spiel überstand neue Konsolengenerationen, mehrere Dragon Ball Filme, neue Anime Inhalte und die Veröffentlichung weiterer großer Spiele der Marke. Es erreichte mehr als zehn Millionen ausgelieferte und digital verkaufte Einheiten und hielt nach Angaben seines Produzenten selbst sieben Jahre nach der Veröffentlichung noch ungefähr eine Million monatliche Spieler.

Diese Zahlen zeigen, dass Xenoverse 2 nicht nur künstlich durch DLCs verlängert wurde.

Es existierte eine tatsächliche Nachfrage.

Gleichzeitig war das Ende notwendig.

Das Fundament konnte nicht unbegrenzt erweitert werden. Technische Grenzen, veraltete Systeme und wiederkehrende Schwächen wurden mit jeder zusätzlichen Erweiterung deutlicher.

Xenoverse 2 hatte seine zentrale Idee bewiesen.

Spieler wollten nicht nur die Helden von Dragon Ball steuern.

Sie wollten selbst einer dieser Helden sein.

Das Spiel musste diese Fantasie nach fast zehn Jahren nicht länger rechtfertigen. Es musste sie an einen Nachfolger übergeben, der sie mit moderner Technik, einer tieferen Welt und stärkeren Rollenspielsystemen weiterentwickeln konnte.

Xenoverse 2 überlebte deshalb länger als beinahe jedes andere Anime Spiel, weil es nicht ausschließlich von seinen bekannten Figuren lebte.

Es lebte von den Figuren seiner Spieler.

FighterZ bot die präziseren Kämpfe.

Kakarot erzählte die bekannte Geschichte eindrucksvoller.

Sparking! Zero inszenierte größere Schlachten.

Doch keines dieser Spiele ersetzte vollständig das Gefühl, einen eigenen Charakter zu erschaffen, in Conton City anzukommen und selbst Teil der Dragon Ball Geschichte zu werden.

Das war die besondere Stärke von Xenoverse 2.

Und zugleich die größte Verpflichtung für seinen Nachfolger.

Im fünften und abschließenden Teil unserer Reihe richten wir den Blick auf Dragon Ball Xenoverse 3. Wir betrachten, welche Neuerungen bereits bestätigt wurden, was der Nachfolger aus zehn Jahren Xenoverse 2 lernen muss und ob das neue Abenteuer tatsächlich den Beginn einer neuen Dragon Ball Ära markieren kann.

Der Beitrag Warum Dragon Ball Xenoverse 2 fast zehn Jahre überleben konnte erschien zuerst auf Zockerfakten.

In den vergangenen vier Teilen dieser Reihe haben wir darüber gesprochen, warum Anime-Games größer denken müssen.

Nicht zwangsläufig mit größeren Karten, längeren Spielzeiten oder höheren Budgets. Sondern mit Spielideen, die aus den besonderen Eigenschaften ihrer Vorlage entstehen.

Wir haben uns gefragt, wie ein One-Piece-Spiel aussehen könnte, das Seefahrt, Entdeckung und das Leben als Crew wirklich ernst nimmt. Wir haben über Hunter x Hunter, die Hunter-Prüfung, Nen und eine Welt voller unbekannter Gefahren gesprochen. Wir haben untersucht, wie sich selbst die Übermacht von Saitama oder die kompromisslosen Kämpfe aus Kengan Ashura in interessante Spielmechaniken übersetzen ließen.

Im vierten Teil ging es schließlich um offene Welten, langfristig unterstützte Spielmodelle und die Frage, ob Anime-Universen nicht sogar die Grundlage für umfangreiche Onlinewelten bilden könnten.

Doch am Ende bleibt die wichtigste Frage der gesamten Reihe:

Wenn das Potenzial sichtbar ist, die Technik existiert und Spieler längst bewiesen haben, dass sie große, immersive Welten annehmen, warum entstehen solche Anime-Spiele trotzdem so selten?

Warum bleiben viele Anime-Games kleiner, sicherer und vorsichtiger als die Welten, auf denen sie basieren?

Das Problem ist nicht mehr allein die Technik

Große Spielwelten sind technisch längst möglich.

Offene Welten funktionieren. Umfangreiche Story-RPGs funktionieren. Langfristig unterstützte Onlinewelten funktionieren ebenfalls.

Marvel’s Spider-Man, Batman: Arkham, Persona, Yakuza und Elden Ring haben auf unterschiedliche Weise gezeigt, wie stark eine Spielwelt wirken kann, wenn Geschichte, Figuren, Erkundung und Mechaniken ineinandergreifen.

Auch Anime-Games haben inzwischen bewiesen, dass sie sich über klassische Arena-Fighter und lineare Nacherzählungen hinausbewegen können.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht mehr:

„Kann man ein solches Anime-Spiel entwickeln?“

Sondern:

„Wer ist bereit, ein solches Projekt über mehrere Jahre zu finanzieren und das damit verbundene Risiko zu tragen?“

Größere Spiele bedeuten größere Risiken

Moderne Großproduktionen benötigen mehr Personal, längere Entwicklungszeiten und höhere Investitionen.

Bandai Namco erklärte selbst, dass Spiele zunehmend größer werden und dadurch längere Produktionszeiträume benötigen. Der Konzern will deshalb genauer priorisieren, welche Titel entwickelt werden, seine Entwicklungsstrukturen stärken und Spiele über längere Zeiträume vermarkten.

Diese Entwicklung betrifft die gesamte Spielebranche.

Bei Anime-Adaptionen kommt jedoch eine zusätzliche Ebene hinzu.

Ein Studio muss nicht nur ein funktionierendes Spiel entwickeln. Es muss gleichzeitig den Vorstellungen des Publishers, der Rechteinhaber, der internationalen Vermarktung und der bestehenden Fangemeinde gerecht werden.

Je größer das Projekt, desto größer sind auch die möglichen Verluste.

Ein Arena-Fighter mit bekannten Figuren und klar definierten Spielmodi lässt sich leichter planen und vermarkten als ein komplexes Rollenspiel, das mehrere Jahre Entwicklung benötigt und zahlreiche Systeme miteinander verbinden muss.

Das bedeutet nicht, dass Entwickler keine größeren Visionen besitzen.

Es bedeutet, dass eine Vision allein noch keine Finanzierung erhält.

Ein Anime-Spiel ist selten nur ein Spiel

Große Anime-Marken existieren nicht isoliert.

Sie verbinden Manga, Serien, Filme, Streaming, Merchandise, Sammelkarten, Mobile-Games, Konsolenspiele und internationale Lizenzgeschäfte miteinander.

Bandai Namco bezeichnet diesen Ansatz als „IP Axis Strategy“. Marken sollen über verschiedene Geschäftsbereiche hinweg genutzt, weiterentwickelt und langfristig mit ihren Fans verbunden werden. Der Konzern plant dafür umfangreiche Investitionen in Spiele, audiovisuelle Produktionen und neue Geschäftsfelder.

Ein neues Dragon-Ball-, Naruto- oder One-Piece-Spiel ist deshalb nicht ausschließlich eine kreative Entscheidung eines Entwicklerstudios.

Es ist Teil einer größeren Markenstrategie.

Entwicklerische Ideen treffen auf Budgets, Veröffentlichungszeiträume, Zielgruppen, Marketingpläne und die langfristige Positionierung eines Franchise.

Diese Strukturen erklären, weshalb nicht jede naheliegende Idee tatsächlich umgesetzt wird.

Sie erklären allerdings nicht, warum sich Anime-Games dauerhaft mit denselben Konzepten zufriedengeben sollten.

Warum bewährte Konzepte nicht verschwinden

Arena-Fighter, Musou-Spiele, Mobile-Games und klassische Action-RPGs werden häufig als Zeichen mangelnder Kreativität betrachtet.

Ganz so einfach ist es nicht.

Diese Konzepte passen zu vielen bekannten Shōnen-Marken. Sie ermöglichen große Charakterauswahlen, spektakuläre Fähigkeiten, direkte Duelle und regelmäßig erweiterbare Inhalte.

Publisher kennen die Zielgruppen. Entwickler können auf bestehenden Erfahrungen aufbauen. Fans wissen bereits, was sie erwartet.

Dass diese Modelle weiterhin funktionieren, zeigt Dragon Ball: Sparking! Zero. Der Arena-Fighter überschritt innerhalb weniger Monate fünf Millionen verkaufte Exemplare und wurde laut Bandai Namco zum bis dahin am schnellsten verkauften Dragon-Ball-Konsolenspiel.

Aus wirtschaftlicher Sicht gibt es deshalb keinen Grund, erfolgreiche Formeln vollständig aufzugeben.

Die Forderung dieser Reihe lautete auch nie, dass Arena-Fighter verschwinden sollen.

Das Problem beginnt erst dann, wenn bewährte Konzepte zur einzigen verlässlichen Antwort auf nahezu jede Anime-Lizenz werden.

Es muss daneben genügend Raum für andere Ideen geben.

Die Branche beginnt sich zu bewegen

Der aktuelle Stand zeigt keine plötzliche Revolution.

Es lässt sich jedoch erkennen, dass Entwickler und Publisher vorsichtig nach neuen Wegen suchen.

Dragon Ball Z: Kakarot stellte nicht ausschließlich die bekannten Kämpfe in den Mittelpunkt. Das Spiel integrierte Erkundung, Training, Essen, Nebenfiguren und ruhigere Momente aus Son Gokus Leben in ein erzählerisches Action-RPG.

Im Januar 2026 bestätigte Bandai Namco mehr als zehn Millionen verkaufte Exemplare. Gleichzeitig wurde das Spiel über mehrere Jahre hinweg durch neue Geschichten und Erweiterungen unterstützt.

Dieser Erfolg beweist nicht, dass jedes umfangreiche Anime-RPG automatisch ein großes Publikum erreichen würde.

Er zeigt jedoch, dass Fans eine stärker erzählorientierte Adaption langfristig annehmen.

The Seven Deadly Sins: Origin geht noch einen Schritt weiter. Das im März 2026 veröffentlichte Open-World-RPG lässt Spieler Britannia frei erkunden, verschiedene Figuren kombinieren und gemeinsam mit anderen Spielern gegen Bosse antreten.

Damit existiert inzwischen tatsächlich ein Anime-Spiel, das seine Vorlage als größere, frei erkundbare Welt interpretiert.

Doch auch dieses Modell zeigt, wie vorsichtig der Wandel erfolgt. Die große Spielwelt wird mit einem plattformübergreifenden Ansatz, langfristigen Updates, sammelbaren Figuren und klar planbaren Erweiterungsmöglichkeiten verbunden.

Die Branche erweitert ihre Grenzen.

Sie gibt ihre wirtschaftlichen Sicherheiten dabei jedoch nicht vollständig auf.

Echoes of Aincrad zeigt Fortschritt und Grenzen zugleich

Sword Art Online: Echoes of Aincrad ist für diese Diskussion besonders interessant.

Das Spiel erschien am 10. Juli 2026 und lässt Spieler erstmals innerhalb dieser Reihe einen eigenen Helden erstellen. Statt ausschließlich Kirito und bekannte Ereignisse erneut nachzuspielen, erleben sie eine neue Geschichte innerhalb von Aincrad.

Das Action-RPG setzt auf eine questbasierte Struktur. Durch abgeschlossene Aufgaben werden neue Gebiete freigeschaltet und die Handlung vorangetrieben.

Damit greift Echoes of Aincrad einen zentralen Gedanken dieser Reihe auf:

Anime-Spiele müssen ihre Vorlage nicht immer nur nacherzählen. Sie können Spielern ermöglichen, selbst Teil dieser Welt zu werden.

Gerade bei Sword Art Online ist dieser Ansatz naheliegend. Die Vorlage handelt schließlich selbst davon, in eine virtuelle Spielwelt einzutauchen, einen eigenen Weg zu finden und gemeinsam mit anderen Spielern zu überleben.

In unserem eigenen Playtest zeigte sich jedoch auch, wo die Grenzen dieses Ansatzes liegen.

Echoes of Aincrad funktioniert als Sword-Art-Online-Erlebnis stärker als als modernes Action-RPG. Die Charaktererstellung, der eigene Partner und die neue Perspektive sind wichtige Schritte. Spielerisch bleibt das Projekt an mehreren Stellen jedoch vorsichtiger, als es seine Vorlage eigentlich erlauben würde.

Die Welt ist nicht die vollständig freie, lebendige Onlineerfahrung, die das Konzept von Aincrad theoretisch ermöglichen könnte. Sie wird über Quests, klar abgegrenzte Fortschritte und kontrollierbare Strukturen organisiert.

Genau deshalb ist das Spiel für den Abschluss dieser Reihe so wertvoll.

Echoes of Aincrad zeigt, dass die Branche unsere zentrale Forderung teilweise bereits aufgreift.

Es zeigt aber auch, dass der Weg zwischen einer interessanten Grundidee und ihrer vollständigen Umsetzung weiterhin groß ist.

Kakarot und Sparking Zero beweisen unterschiedliche Dinge

Dragon Ball Z: Kakarot und Dragon Ball: Sparking! Zero werden häufig als völlig unterschiedliche Formen eines Anime-Spiels betrachtet.

Das eine setzt auf Geschichte, Erkundung und Rollenspielelemente.

Das andere konzentriert sich auf spektakuläre Kämpfe, eine große Charakterauswahl und die Inszenierung bekannter Momente.

Beide Spiele waren erfolgreich.

Deshalb widersprechen sie sich nicht.

Gemeinsam zeigen sie, dass Anime-Fans unterschiedliche Spielerfahrungen annehmen. Die Zukunft muss nicht aus einem einzigen Modell bestehen.

Arena-Fighter, Rollenspiele, lineare Abenteuer, taktische Spiele und große Onlinewelten können nebeneinander existieren.

Die Branche muss keine erfolgreiche Formel ersetzen.

Sie muss ihr Repertoire erweitern.

One Piece zeigt die eigentliche Herausforderung

Unsere Vorstellung eines großen One-Piece-Spiels verdeutlicht besonders gut, warum manche Projekte bisher nicht entstehen.

Ein solches Spiel bräuchte nicht nur eine große Karte.

Es müsste Seefahrt, Crewleben, Inselerkundung, Kämpfe, Schiffe und langfristige Charakterentwicklung sinnvoll miteinander verbinden. Jede dieser Komponenten wäre bereits ein umfangreiches Spielsystem für sich.

Die Grand Line dürfte sich nicht wie eine Reihe austauschbarer Gebiete anfühlen.

Inseln müssten eine eigene Identität besitzen.

Die Crew müsste spielerisch relevant sein.

Das Schiff dürfte nicht nur als Ladebildschirm zwischen zwei Missionen dienen.

Ein solches Projekt wäre deshalb nicht einfach ein größeres Anime-Spiel.

Es wäre die Verbindung mehrerer komplexer Systeme innerhalb einer der bekanntesten Manga- und Anime-Marken der Welt.

Die Frage lautet nicht, ob Entwickler Ideen für ein solches Spiel hätten.

Die Frage lautet, wer bereit wäre, das notwendige Budget, die Produktionszeit und das wirtschaftliche Risiko zu tragen.

Anime-Games größer denken bedeutet nicht größer bauen

An diesem Punkt muss auch die zentrale Forderung unserer Reihe präzisiert werden.

Nicht jede Anime-Serie benötigt eine Open World.

Nicht jedes Spiel muss hundert Stunden dauern.

Nicht jede Adaption braucht ein AAA-Budget.

Ein Kengan-Ashura-Spiel könnte als fokussiertes Kampfspiel funktionieren, wenn es Kampfstile, Technik, Vorbereitung und Verletzungen ernst nimmt.

Ein One-Punch-Man-Spiel müsste nicht mit einer riesigen Karte überzeugen. Es müsste eine spielerische Antwort darauf finden, wie sich Saitamas Übermacht interessant darstellen lässt.

Ein Hunter-x-Hunter-Spiel müsste nicht jeden Kontinent zeigen. Es müsste Neugier, Prüfungen, Nen-Entwicklung und die Unsicherheit seiner Welt vermitteln.

Ein Sword-Art-Online-Spiel muss nicht zwangsläufig ein echtes MMO werden. Es sollte jedoch überzeugend vermitteln, dass der Spieler selbst in dieser virtuellen Welt lebt und nicht nur eine bekannte Geschichte von außen begleitet.

Anime-Games größer denken bedeutet deshalb nicht, immer mehr Fläche zu erschaffen.

Es bedeutet, tiefer über die Vorlage nachzudenken.

Die zentrale Frage einer Adaption sollte nicht lauten:

„Welches erfolgreiche Spielkonzept können wir auf diese Lizenz übertragen?“

Sondern:

„Welche Spielerfahrung ist nur innerhalb dieser Welt möglich?“

Vielleicht braucht es nicht den einen großen Durchbruch

Zu Beginn dieser Reihe lag die Hoffnung auf einem einzigen Spiel, das endgültig beweist, wie erfolgreich eine ambitionierte Anime-Adaption sein kann.

Wahrscheinlich ist die Realität komplizierter.

Ein einzelner Erfolg kann als Ausnahme betrachtet werden.

Nachhaltige Veränderung entsteht erst, wenn mehrere Spiele mit unterschiedlichen Ansätzen zeigen, dass sich kreative Risiken lohnen.

Kakarot hat bewiesen, dass ein erzählorientiertes Action-RPG langfristig erfolgreich sein kann.

Sparking Zero zeigt, dass klassische Kampfformeln weiterhin ein großes Publikum erreichen.

The Seven Deadly Sins: Origin testet eine umfangreiche Open-World-Struktur.

Echoes of Aincrad versucht, Spieler selbst zum Mittelpunkt einer bekannten Anime-Welt zu machen.

Keines dieser Spiele liefert allein die endgültige Antwort.

Gemeinsam zeigen sie jedoch, dass sich die Grenzen langsam verschieben.

Worum es uns bei dieser Reihe wirklich ging

Diese Reihe war nie ein Angriff auf Entwickler oder Publisher.

Sie war auch keine Forderung nach immer größeren Karten, längeren Spielzeiten oder unbegrenzten Budgets.

Wir wollten zeigen, dass Anime-Welten häufig mehr spielerisches Potenzial besitzen, als bisher genutzt wird.

Gleichzeitig wollten wir verstehen, warum dieses Potenzial nicht einfach vollständig umgesetzt werden kann.

Größere Produktionen brauchen mehr Zeit und Kapital.

Bekannte Konzepte reduzieren Risiken.

Marken werden innerhalb komplexer Geschäfts- und Lizenzstrukturen geführt.

Nicht jede kreative Idee lässt sich in ein wirtschaftlich tragfähiges Projekt verwandeln.

Diese Realität erklärt viele Entscheidungen.

Sie sollte jedoch nicht dazu führen, dass sich Anime-Games dauerhaft mit dem bereits Bekannten zufriedengeben.

Ein Abschluss, aber kein endgültiges Ende

Mit diesem fünften Teil endet unsere Reihe vorerst.

Das Thema selbst ist damit jedoch nicht abgeschlossen.

Die Anime-Game-Branche befindet sich weiterhin in Bewegung. Neue Projekte werden angekündigt, bekannte Reihen entwickeln sich weiter und Spiele wie The Seven Deadly Sins: Origin oder Echoes of Aincrad zeigen, dass einige der Ideen, über die wir zu Beginn dieser Reihe noch theoretisch gesprochen haben, inzwischen tatsächlich ausprobiert werden.

Wir werden diese Entwicklung deshalb weiter beobachten.

Welche Spiele wagen den nächsten Schritt?

Welche Projekte nutzen ihre Vorlage wirklich als Grundlage für eigene Mechaniken?

Welche Titel fallen trotz großer Ambitionen wieder in bekannte Strukturen zurück?

Und welches Spiel schafft es vielleicht irgendwann, eine Anime-Welt nicht nur überzeugend darzustellen, sondern sie vollständig spielbar zu machen?

Möglicherweise werden wir diese Reihe eines Tages fortsetzen.

Vielleicht mit einem sechsten Teil.

Vielleicht in einer neuen Form.

Vielleicht zu einem Zeitpunkt, an dem die Branche bereits ganz andere Antworten auf die Fragen gefunden hat, die wir hier gestellt haben.

Bis dahin bleibt Dragon Ball Z: Kakarot möglicherweise eines der Spiele, die bewiesen haben, dass Fans mehr als reine Arenakämpfe annehmen.

The Seven Deadly Sins: Origin und Echoes of Aincrad zeigen, dass größere Welten, eigene Charaktere und neue Geschichten zunehmend Teil bekannter Anime-Marken werden.

Der entscheidende Durchbruch ist jedoch wahrscheinlich kein einzelnes Spiel.

Er ist eine Entwicklung, in der immer mehr Studios und Publisher den Mut finden, ihre Vorlagen nicht nur abzubilden, sondern deren besondere Eigenschaften in echte Spielmechaniken zu übersetzen.

Entscheidend ist nicht, ob das nächste Anime-Spiel größer, teurer oder länger wird.

Entscheidend ist, ob es versteht, was seine Welt einzigartig macht.

Anime-Games müssen keine Kopien westlicher AAA-Produktionen werden.

Sie müssen nicht größer sein als andere Spiele.

Sie müssen endlich so groß denken wie ihre Welten.

Und wir werden genau beobachten, welches Spiel diesen Gedanken als Nächstes wirklich konsequent umsetzt.

Der Beitrag Warum Anime-Games endlich größer denken müssen – Teil 5 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Im letzten Teil dieser Reihe haben wir eine zentrale Frage gestellt:

Sind große Anime-Welten wirklich zu komplex für moderne Spiele?

Oder werden sie schlicht zu selten so gedacht?

Denn je länger wir über Titel wie Hunter x Hunter, One Punch Man oder potenzielle Adaptionen wie Kengan Ashura sprechen, desto deutlicher wird: Das Problem ist nicht fehlendes Potenzial. Das Problem ist, wie Anime-Spiele strukturell angegangen werden.

Und genau hier wird Teil 4 interessant.

Denn während viele klassische Anime-Adaptionen weiterhin auf lineare Kampagnen oder Arena-Kämpfe reduziert werden, existieren längst Spiele, die zeigen, dass große Welten, langfristige Immersion und starke Charakterbindung funktionieren können.

Vielleicht nicht perfekt.
Aber als Richtung.

Comic-Adaptionen haben längst gezeigt, wie groß solche Welten werden können

Wenn wir heute auf große Superheldenspiele schauen, sehen wir längst, wie erfolgreich starke Einzelspieler-Erlebnisse auf Basis bestehender Vorlagen funktionieren können.

Marvel’s Spider-Man.
Spider-Man 2.
Batman: Arkham.

Diese Spiele funktionieren nicht nur wegen ihrer Kämpfe.

Sie funktionieren, weil sie ihre Welten ernst nehmen.

New York fühlt sich lebendig an.
Die Bewegung durch die Stadt wird Teil der Identität des Spiels.
Nebenfiguren, Story und Alltag existieren nicht losgelöst voneinander.

Besonders Spider-Man 2 hat zuletzt gezeigt, wie sehr eine Community auf immersive Superhelden-Erlebnisse reagiert. Nicht nur wegen der Action, sondern weil man das Gefühl bekommt, tatsächlich Teil dieser Welt zu sein.

Genau deshalb stellt sich automatisch die nächste Frage:

Warum sehen wir diesen Anspruch so selten bei Anime-Adaptionen?

Dragon Ball Z Kakarot war ein wichtiger Schritt

Und genau hier kommen wir wieder zu Dragon Ball Z Kakarot.

Denn Kakarot war eines der ersten großen Anime-Spiele seit langer Zeit, das verstanden hat, dass Fans mehr wollen als nur Arena-Kämpfe.

Es ließ uns durch bekannte Orte fliegen.
Es erzählte die Z-Saga als zusammenhängende Reise.
Es setzte emotionale Momente hochwertig in Szene.

Ja, das Spiel hatte Schwächen.
Ja, viele Systeme blieben oberflächlich.
Ja, das volle Potenzial wurde nicht ausgeschöpft.

Aber Kakarot hat etwas Entscheidendes bewiesen:

Anime-Spiele können größer gedacht werden.

Es war kein perfektes Spiel.
Aber es war ein wichtiger Richtungswechsel.

Persona 5 zeigt, dass Alltag und Story zusammen funktionieren

Interessant ist dabei, dass einige der stärksten Anime-inspirierten Spiele gar nicht primär über Spektakel funktionieren.

Persona 5 ist dafür ein gutes Beispiel.

Das Spiel verbindet Alltag, Beziehungen, Schule, Freizeit und Story mit Progression und Gameplay. Systeme greifen ineinander. Charakterentwicklung fühlt sich nicht losgelöst von der Welt an.

Und genau deshalb wirkt die Erfahrung immersiv.

Nicht, weil die Welt gigantisch ist.
Sondern weil sie glaubwürdig wirkt.

Das zeigt etwas Wichtiges:

Anime-Spiele brauchen nicht zwingend riesige Karten.

Sie brauchen Welten, die sich bedeutungsvoll anfühlen.

Open-World-Modelle zeigen eine andere Richtung

Gleichzeitig entstehen aktuell immer mehr Spiele, die Anime-Welten deutlich offener denken.

Ein Titel wie Genshin Impact hat gezeigt, wie erfolgreich langfristig wachsende Anime-inspirierte Welten funktionieren können.

Regionen erweitern sich.
Figuren wachsen mit der Story.
Spieler investieren über Jahre Zeit in ein Universum.

Und genau deshalb werden neue Anime-Adaptionen interessant, die ähnliche Ansätze verfolgen.

Seven Deadly Sins: Origin als spannender Ansatz

Ein aktuelles Beispiel dafür ist The Seven Deadly Sins: Origin.

Das Spiel setzt auf eine offene Welt innerhalb des Seven-Deadly-Sins-Universums und kombiniert Exploration, freie Bewegung, Charakterwechsel und Action-RPG-Elemente in einer deutlich größeren Struktur als viele klassische Anime-Adaptionen. (Steam Store)

Besonders positiv hervorgehoben werden in ersten Eindrücken:

Die große Weltstruktur.
Das Erkunden von Britannia.
Die stärkere Verzahnung von Story und Exploration.
Die Vielzahl an Aktivitäten außerhalb reiner Kämpfe.
Das Gefühl, sich tatsächlich durch eine Anime-Welt zu bewegen. (YouTube)

Natürlich gibt es auch Skepsis. Gerade Vergleiche mit Genshin Impact, Monetarisierungsfragen und die allgemeine Live-Service-Struktur werden diskutiert. (Reddit)

Doch unabhängig davon zeigt Origin etwas Entscheidendes:

Große Anime-Welten lassen sich technisch und strukturell umsetzen.

Der Unterschied zwischen Welt und Kulisse

Und genau hier liegt vielleicht der wichtigste Punkt dieser ganzen Reihe.

Viele Anime-Spiele besitzen bekannte Orte.
Aber nicht immer echte Welten.

Es reicht nicht, eine Karte groß zu machen.

Eine Welt muss Atmosphäre erzeugen.
Sie muss uns neugierig machen.
Sie muss uns das Gefühl geben, dort zu leben.

Genau deshalb funktionieren offene Systeme für Anime oft so gut.

Nicht, weil jede Serie automatisch ein gigantisches Open-World-Spiel braucht.

Sondern weil viele Anime bereits wie lebendige Welten geschrieben sind.

Die Bausteine existieren längst

Wenn man all diese Beispiele zusammennimmt, entsteht ein klares Bild.

Comic-Adaptionen zeigen, wie stark immersive Einzelspieler-Erlebnisse funktionieren können.

Dragon Ball Z Kakarot hat bewiesen, dass Anime-Spiele emotionaler und größer gedacht werden können.

Persona 5 zeigt, wie Alltag und Progression miteinander verschmelzen können.

Und moderne Open-World-Ansätze wie Genshin Impact oder Seven Deadly Sins: Origin beweisen, dass langfristige Anime-Welten technisch möglich sind.

Die Bausteine existieren längst.

Die Frage ist nur:

Warum werden sie so selten konsequent zusammengeführt?

Der letzte Schritt dieser Reihe

Und genau damit kommen wir zum letzten Teil.

Denn spätestens jetzt stellt sich nicht mehr nur die Frage, was möglich wäre.

Sondern warum wir es trotzdem so selten bekommen.

Warum dominieren sichere Konzepte?
Warum bleiben viele Anime-Adaptionen kalkulierbar?
Und welche Rolle spielen Publisher, Budgets und Marktstrukturen dabei?

Im letzten Teil dieser Reihe sprechen wir genau darüber.

Denn vielleicht liegt die größte Begrenzung von Anime-Spielen nicht bei den Welten selbst.

Sondern bei der Art, wie die Branche auf sie blickt.

Der Beitrag Anime Spiele Potenzial – Warum Anime-Games endlich größer denken müssen – Teil 4 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Im zweiten Teil dieser Reihe haben wir gefragt, warum ein Franchise wie One Piece bis heute kein Spiel bekommen hat, das seiner Welt wirklich gerecht wird.

Doch je länger man darüber nachdenkt, desto deutlicher wird:
One Piece ist kein Einzelfall.

Viele Anime-Universen tragen Strukturen in sich, die sich hervorragend für große Spielerlebnisse eignen würden. Trotzdem werden sie entweder nur teilweise adaptiert oder gar nicht erst in dieser Größenordnung gedacht.

Und genau hier beginnt das eigentliche Muster.

Hunter x Hunter – Wachstum als Spielmechanik

Hunter x Hunter besitzt eines der durchdachtesten Kampfsysteme im gesamten Anime-Bereich: Nen.

Nen ist kein einfaches Powerlevel-System.
Es ist Training.
Es ist Disziplin.
Es ist Strategie.
Es ist persönliches Wachstum.

Allein die Hunter-Prüfung wäre strukturell ein eigenes Spielkapitel:

Überleben.
Teamarbeit.
Prüfungen unter extremem Druck.
Mentale Belastung.

Danach folgt das langsame Erlernen von Nen.
Aura verstehen.
Techniken entwickeln.
Mentoren begegnen.
Grenzen überwinden.

Später kommen Arcs wie Yorknew, Greed Island oder die Chimera-Ant-Saga hinzu, die jeweils völlig unterschiedliche Herausforderungen darstellen.

Das sind keine isolierten Bosskämpfe.
Das sind Entwicklungsphasen.

Ein Universum wie Hunter x Hunter wäre ideal für ein Action-Adventure-RPG, in dem Wachstum nicht nur erzählt wird, sondern spielerisch spürbar wird.

Und trotzdem sehen wir bislang keine große, immersive Umsetzung dieses Konzepts.

One Punch Man – Mehr als nur ein Gag

One Punch Man wird oft auf seine zentrale Idee reduziert: Ein Held, der jeden Gegner mit einem Schlag besiegt.

Doch das Universum dahinter ist viel größer.

Heldenränge.
Bedrohungsstufen.
Stadtverteidigung.
Organisationen.
Nebenfiguren mit eigenem Wachstum.

Ein Spiel könnte hier mit einem jungen Helden beginnen, der sich langsam durch das Rangsystem arbeitet. Missionen übernimmt. Städte schützt. Bedrohungen bekämpft.

Saitama selbst könnte dabei als erzählerischer Kontrast funktionieren – als Figur, die die Regeln der Welt bricht, während der Spieler sie erst lernen muss.

Doch auch hier bleibt die Frage bestehen:

Warum wird ein Universum mit dieser Struktur selten als großes, immersives Spielerlebnis gedacht?

Kengan Ashura – Ein unerschlossenes Beispiel

Kengan Ashura besitzt bislang keine Spieleadaption.

Gerade deshalb zeigt dieses Franchise, welches Potenzial viele Anime-Welten noch besitzen.

Kengan Ashura ist nicht einfach nur ein Turnier-Anime.
Es ist Wirtschaftspolitik.
Es ist Machtkampf zwischen Konzernen.
Es ist Charakterdrama.
Es ist körperliche Entwicklung.

Ein mögliches Spiel müsste hier nicht als klassisches Prügelspiel gedacht werden.

Man könnte sich durch Japan bewegen.
Unternehmensvertreter kennenlernen.
Mit Oma Tokita trainieren.
Techniken schrittweise entwickeln.
An Vorrunden teilnehmen.
Zwischen Kämpfen Beziehungen pflegen und Entscheidungen treffen.

Eine Mischung aus narrativer Tiefe und intensivem Kampfsystem – näher an einem Story-getriebenen Erlebnis wie der Yakuza-Reihe als an einem klassischen Arena-Fighter.

Gerade solche IPs zeigen, dass Anime-Adaptionen noch ganz andere Formen annehmen könnten.

Das wiederkehrende Muster

Hunter x Hunter.
One Punch Man.
Potenzielle Adaptionen wie Kengan Ashura.

Alle besitzen eines gemeinsam:

Sie erzählen Geschichten über Entwicklung.

Training.
Scheitern.
Freundschaft.
Mentoren.
Wachstum.

Doch genau diese Elemente werden in vielen Spielen oft reduziert oder nur oberflächlich umgesetzt.

Turnier-Anime wird automatisch Prügelspiel.
Action-Anime wird Arena-Fighter.
Beliebte Lizenz wird ein kalkulierbares Produkt.

Dabei könnten diese Welten viel mehr sein.

Das eigentliche Problem

Anime-Spiele werden häufig als Lizenzprodukte mit Gameplay gedacht.

Nicht als Spiele, die eine Lizenz tragen.

Das klingt ähnlich, ist aber ein fundamentaler Unterschied.

Solange Anime-Adaptionen primär als Erweiterung einer Marke gesehen werden, bleiben sie unter ihrem erzählerischen und spielmechanischen Potenzial.

Dragon Ball Z Kakarot hat gezeigt, dass ein anderer Ansatz möglich ist.
One Piece bleibt ein offenes Versprechen.
Hunter x Hunter zeigt, wie viel Wachstum mechanisch denkbar wäre.
Und Kengan Ashura verdeutlicht, wie viele spannende Universen noch völlig unerschlossen sind.

Unsere zentrale Botschaft

Wir wollen keine Fanservice-Sammlungen mehr.

Wir wollen Spiele, die Wachstum fühlbar machen.
Die Training mechanisch übersetzen.
Die Niederlagen ernst nehmen.
Die Welten ernst nehmen.

Anime hat über Jahrzehnte Universen geschaffen, die Millionen Menschen geprägt haben.

Diese Welten verdienen Spiele, die genauso groß denken.

Nicht nur Kämpfe.

Sondern Reisen.

Nicht nur Szenen.

Sondern Entwicklung.

Nicht nur Fanservice.

Sondern Immersion.

Teil 4 – Wenn große Anime-Welten doch funktionieren

Doch bei all diesen Beispielen stellt sich eine entscheidende Frage.

Liegt das Problem wirklich daran, dass große Anime-Welten zu komplex für Spiele sind?

Oder liegt es daran, dass sie bislang selten so gedacht werden?

Denn während viele klassische Anime-Adaptionen weiterhin auf lineare Kampagnen oder Arena-Kämpfe setzen, zeigen andere Spielmodelle bereits, dass große, lebendige Welten technisch und strukturell möglich sind.

Open-World-Spiele, langfristig wachsende Universen und Online-Welten beweisen, dass Spieler bereit sind, über Jahre in eine Welt einzutauchen, wenn sie glaubwürdig gestaltet ist.

Gerade Titel, die sich an Konzepten wie Genshin Impact orientieren oder große Anime-Universen als offene Spielwelt denken, zeigen eine alternative Richtung.

Eine Richtung, die auch für Anime-Adaptionen interessant sein könnte.

Im nächsten Teil werfen wir deshalb einen Blick auf genau diese Ansätze und darauf, wie Spiele wie Seven Deadly Sins: Origin oder andere Open-World-Modelle zeigen, dass große Anime-Welten durchaus funktionieren können.

Vielleicht nicht perfekt.
Aber als ein möglicher Weg, Anime-Spiele endlich größer zu denken.

Der Beitrag Anime Spiele Potenzial – Warum Anime-Games endlich größer denken müssen – Teil 3 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Zwischen Lizenz, Risiko und verpasster Größe

Im ersten Teil dieser Reihe haben wir eine These formuliert:

Anime-Spiele müssen aufhören, nur Kämpfe zu inszenieren.
Sie müssen Welten spielbar machen.

Wenn es ein Franchise gibt, das diese These testet, dann ist es One Piece.

Denn One Piece ist keine Kampfserie.
One Piece ist eine Reise.

Und trotzdem haben wir bis heute kein Spiel bekommen, das diese Reise wirklich abbildet.

Warum?

Das Paradox von One Piece

One Piece ist eine der erfolgreichsten Marken der Welt.

Gigantische Fanbasis.
Globale Reichweite.
Eine Welt, die größer ist als viele AAA-Franchises.

Und dennoch:

Kein Open-World-Abenteuer auf AAA-Niveau.
Kein echtes Seefahrer-System.
Keine vollständig durchdachte Grand-Line-Struktur.

Stattdessen:

Musou-Spin-offs.
Arena-Fighter.
Rundenbasierte Experimente.
Begrenzte Open-Zonen.

Das ist kein Zufall.

Risiko statt Vision?

Ein echtes One Piece Spiel wäre teuer.

Offene Meere.
Schiffssysteme.
Inselstruktur.
Crew-Mechaniken.
Charakterprogression über Jahrzehnte Story.

Das bedeutet Entwicklungszeit.
Technische Ambition.
Hohe Budgets.

Und hier beginnt die unbequeme Frage:

Trauen Publisher dem Anime-Markt kein AAA-Niveau zu?

Oder glauben sie, dass Fanservice wirtschaftlich ausreicht?

Die sichere Formel

Viele Anime-Spiele folgen einem Muster:

Bekannte Szenen.
Bosskämpfe.
Fanservice-Momente.
Arc-Struktur.

Das verkauft sich.

Es ist kalkulierbar.
Es ist risikoarm.
Es ist schneller produzierbar.

Aber es schöpft das Potenzial nicht aus.

One Piece wird dadurch reduziert.

Warum One Piece strukturell schwieriger ist

Dragon Ball ist Eskalation.
Naruto ist lineare Entwicklung.
One Piece ist offene Welt im Kern.

Die Grand Line ist keine Abfolge von Bosskämpfen.
Sie ist ein Meer voller Unberechenbarkeit.

Ein echtes One Piece Spiel müsste:

Reise mechanisch spürbar machen.
Gefahr auf See integrieren.
Crew-Dynamiken als System denken.
Inseln individuell designen.

Das ist komplex.

Aber unmöglich ist es nicht.

Andere Spiele haben bewiesen, dass große Welten funktionieren.

Warum also nicht hier?

Lernen aus Dragon Ball Z Kakarot

Kakarot hat gezeigt, dass Fans mehr wollen als Arena-Kämpfe.

Es hat bewiesen, dass Story verkauft.
Dass Weltgestaltung trägt.
Dass Emotion spielbar sein kann.

Und doch blieb selbst Kakarot hinter seinem Maximum zurück.

Wenn selbst Dragon Ball diesen letzten Schritt nicht geht, wie realistisch ist es, dass One Piece ihn wagt?

Und genau hier liegt das strukturelle Problem.

Unsere Kernfrage

Bekommen wir keine größeren Anime-Spiele, weil:

• Publisher kein Risiko eingehen wollen?

• Budgets nicht freigegeben werden?

• Lizenzvereinbarungen Entwicklung hemmen?

• Oder weil Fans bislang auch mit weniger zufrieden waren?

Diese Frage ist keine Provokation.
Sie ist Analyse.

Was wir fordern

Wir fordern keine unrealistischen Träume.

Wir fordern Konsequenz.

Wenn ein Franchise wie One Piece existiert, das über Jahrzehnte eine Welt aufgebaut hat, dann verdient es ein Spiel, das diese Welt ernst nimmt.

Nicht nur als Bühne für Kämpfe.
Sondern als Raum für Reise.

Der größere Kontext

One Piece ist kein Einzelfall.

Bleach.
My Hero Academia.
Digimon.

Alle tragen Welten, die mehr könnten.

Doch wir bekommen oft reduzierte Systeme.

Und genau deshalb bauen wir diese Reihe.

Nicht um zu meckern.

Sondern um eine Diskussion anzustoßen.

Teil 3 – Es ist kein One Piece Problem

Im nächsten Teil weiten wir den Blick.

Denn One Piece steht nicht allein. Auch andere Anime Universen zeigen, wie groß das Potenzial ist und wie oft es in Spielen nur angerissen wird oder gar nicht erst genutzt wird.

Wir schauen deshalb auf Titel wie Hunter x Hunter, One Punch Man und auch auf IPs wie Kengan Ashura, die sich perfekt für ein immersives Action Adventure RPG eignen, obwohl es bislang keine große Spieleadaption gibt.

Unser Ziel bleibt dasselbe:

Nicht nur kritisieren, sondern sichtbar machen, warum diese Welten oft kleiner gespielt werden, als sie eigentlich sind.

Und warum es Zeit ist, dass Anime Spiele eine neue DNA bekommen.

Der Beitrag Anime Spiele Potenzial – Warum Anime-Games endlich größer denken müssen – Teil 2 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Teil 1 – Zwischen Beweis und verschenkter Vision

Warum eröffnen wir diese Reihe?

Nicht, weil Anime-Spiele schlecht sind.
Sondern weil sie selten so gut sind, wie sie sein könnten.

Dragon Ball Z Kakarot hat uns etwas Entscheidendes gezeigt. Es hat bewiesen, dass Anime-Adaptionen mehr sein können als Arena-Kämpfe mit Story-Zwischensequenzen. Es hat uns die Z-Saga nicht neu interpretiert, sondern neu inszeniert. Wir durften sie spielen.

Und genau dort beginnt unser Anspruch.

Wenn ein Spiel uns so nah an die Vorlage bringt, warum bleibt es trotzdem unter seinen Möglichkeiten?

Der Unterschied zwischen Inszenierung und Immersion

Kakarot hat inszeniert.
Was wir fordern, ist Immersion.

Der Unterschied ist entscheidend.

Inszenierung bedeutet, ikonische Momente hochwertig darzustellen.
Immersion bedeutet, sie spielerisch zu durchleben.

Nehmen wir die Reise nach Namek.
Im Spiel wird sie erzählt. Im Anime ist sie ein Trainingsabschnitt, eine Vorbereitung, eine Phase des Wachstums.

Was hätte man daraus machen können?

Ein spielbares Trainingssystem im Raumschiff.
Schwerkraft als echte Mechanik.
Progressive Bewegungsoptionen.
Neue Techniken, die durch aktives Training freigeschaltet werden.
Quick-Time-Sequenzen, die den Druck der Vorbereitung fühlbar machen.

Nicht nur ein Dialog, der sagt: Goku ist stärker geworden.

Sondern ein Spiel, das es uns spüren lässt.

Persona 5 als strukturelles Gegenbeispiel

Ein Titel wie Persona 5 zeigt, dass Alltag und Action sich nicht ausschließen.

Schule.
Beziehungen.
Freizeit.
Dungeon-Exploration.
Story.

Es ist rundenbasiert. Das muss nicht das Ziel sein. Aber die Struktur ist lehrreich.

Der Alltag ist nicht Füllmaterial.
Er ist System.
Er hat Konsequenz.
Er beeinflusst Kampf, Story und Progression.

Warum ist das bei Anime-Adaptionen so selten?

Warum fühlt sich Training oft wie eine Nebenquest an und nicht wie ein Kernbestandteil der Reise?

Dragon Ball: Vom Abenteuer zur Explosion

Wenn wir Dragon Ball wirklich denken, dann beginnt es nicht bei Raditz.

Es beginnt mit Bulma.
Mit der Suche nach den Dragon Balls.
Mit Muten Roshi.

Das Training bei Roshi könnte ein eigenständiger Gameplay-Block sein. Den Stein finden, Hindernisse überwinden, Techniken üben. Kamehameha nicht im Menü freischalten, sondern erarbeiten.

Später das Fliegen lernen.
Nicht per Cutscene.
Sondern durch Scheitern und Wiederholen.

Wachstum darf kein Menüpunkt sein.
Es muss Spielmechanik sein.

Naruto: Entwicklung statt Arena

Ein Naruto-Spiel sollte nicht mit spektakulären Bosskämpfen beginnen.

Es sollte in der Akademie starten.
Chakra-Kontrolle als spielbare Mechanik.
Auf Bäume laufen lernen.
Ins Wasser fallen, weil man es nicht beherrscht.

Der Glöckchen-Test mit Kakashi darf kein schneller Bosskampf sein.
Er sollte Teamarbeit, Timing und Taktik verlangen.

Und wenn Zabuza auftaucht, sollte man sich schwach fühlen.
Nicht nur unterlevelt.
Sondern mechanisch überfordert.

Das ist Immersion.

My Hero Academia als verpasste Open-World-Chance

My Hero Academia hätte das perfekte Fundament für ein immersives Superhelden-Spiel geboten.

Schulalltag.
Training.
Patrouillen.
Rettungseinsätze.
Große Bedrohungen.

Deku am Anfang schwach.
Seine Kraft bricht seinen Körper.
Er muss lernen, sie dosiert einzusetzen.

Warum nicht ein System, das falsche Anwendung bestraft?
Warum nicht ein Fortschritt, der sich über Kontrolle statt Schaden definiert?

Das wäre Entwicklung.

Digimon und die Bedeutung von Bindung

Digimon lebt von Partnerschaft.

Taichi und Agumon wachsen gemeinsam.
Konflikte innerhalb der Gruppe verändern Dynamiken.
Freundschaften zerbrechen und finden wieder zusammen.

Warum ist das selten Gameplay?

Warum nicht Beziehungssysteme, die Kämpfe beeinflussen?
Warum nicht Konflikte, die sich mechanisch bemerkbar machen?

Bindung ist kein Dialog.
Sie ist ein System.

Bleach und das Potenzial der Hierarchie

Bleach bietet Trainingsphasen, Prüfungen, Rangordnungen.

Warum nicht eine spielbare Shinigami-Ausbildung?
Warum nicht Bankai als Trial, nicht als Cutscene?
Warum nicht echte Konsequenzen für Versagen?

Stattdessen bekommen wir oft Prügelspiele mit Storybildern.

Das reicht nicht mehr.

Das eigentliche Problem

Anime-Spiele orientieren sich häufig am sicheren Modell.

Arena-Kämpfe.
Fanservice.
Ikonische Szenen.

Das verkauft sich.

Aber es schöpft das Potenzial nicht aus.

Dragon Ball Z Kakarot hat gezeigt, dass mehr möglich ist.
Naruto Storm hat bewiesen, dass Inszenierung funktioniert.
Persona 5 zeigt, dass Struktur und Alltag integrierbar sind.

Warum verbinden wir das nicht?

Unsere These

Anime-Adaptionen müssen aufhören, Kämpfe als Kern zu definieren.

Der Kern ist Entwicklung.

Training.
Beziehungen.
Scheitern.
Wachstum.
Mentoren.
Emotionale Wendepunkte.

Wenn Spiele diese Elemente systemisch umsetzen, entsteht Immersion.

Wenn nicht, bleibt es Oberfläche.

Der Aufbau dieser Reihe

In diesem ersten Teil haben wir das Fundament gelegt.

Im nächsten Schritt analysieren wir ein Franchise, das nach einem echten Abenteuer-Spiel schreit:

One Piece.

Eine Welt, die größer ist als jede Arena.
Eine Reise, die Mechanik verlangt.
Und eine Lizenz, die bis heute kein Spiel bekommen hat, das ihr wirklich gerecht wird.

Wenn Anime-Spiele größer denken sollen, dann beginnt die Diskussion genau hier.

Nicht mit Frust.

Mit Anspruch.

Der Beitrag Anime Spiele Potenzial – Warum Anime-Games endlich größer denken müssen erschien zuerst auf Zockerfakten.

Ein Liebesbrief mit offenen Augen

Wir haben diese Reihe als Liebesbrief begonnen.
Jetzt schreiben wir sie zu Ende – ohne rosa Brille.

Dragon Ball Z Kakarot ist kein durchschnittliches Anime-Spiel. Es ist der ambitionierteste Versuch, die gesamte Z-Saga als spielbares Abenteuer umzusetzen. Und allein dieser Anspruch verdient Anerkennung.

Aber nach Hauptspiel, drei Season Pässen und mehreren Updates ist es Zeit, alles zusammenzuführen.

Was Kakarot wirklich erreicht hat

Die großen Story-Momente gehören zum Besten, was Anime-Adaptionen je geliefert haben. Wenn CyberConnect2 inszeniert, dann richtig.

Gohan gegen Cell.
Majin Vegetas Opfer.
Trunks in der zerstörten Zukunft.
Bardocks letzter Blick zum Himmel.

Diese Momente funktionieren.
Sie funktionieren emotional.
Sie funktionieren visuell.

Die Top-Cutscenes sind auf einem Niveau, das sich auch Jahre später sehen lassen kann. Und sie sind der Kern, warum dieses Spiel trägt.

Mit den DLCs wurde das Fundament erweitert. Trunks war emotional stark. Das 23rd World Tournament war mechanisch mutig. Daima war umfangreich und systemisch interessanter durch das Debuff-System.

Kakarot ist heute größer als zum Launch.
Und technisch stabiler.
Und mit Schwierigkeitsoptionen endlich etwas anpassbarer.

Doch Größe allein beantwortet nicht die zentrale Frage.

Was hätte Kakarot sein können?

Das Spiel heißt Kakarot.

Doch viele der prägendsten Momente werden nicht gespielt, sondern erzählt.

Die Reise nach Namek.
Gokus Training im Raumschiff.
Der erste Super Saiyajin von Gohan.
Mehrere ikonische Turnierkämpfe.

Diese Szenen existieren.
Aber sie werden übersprungen oder in Cutscenes komprimiert.

Gerade die Reise nach Namek ist für uns ein Sinnbild. Das 100-fache Schwerkrafttraining ist ein perfektes Beispiel für interaktives Potenzial. Progressive Mechaniken. Neue Techniken freischalten. Die Steuerung organisch erweitern. Quick-Time-Sequenzen, die Training greifbar machen. Entscheidungen, die bestimmte Skills früher oder später zugänglich machen.

Stattdessen wird dieser Abschnitt erzählt.

Kakarot glänzt in der Inszenierung.
Aber es bleibt oft Zuschauer seines eigenen Potenzials.

Quick-Time-Momente statt nur Cutscenes

Die besten Kämpfe haben bereits cineastische Einwürfe. Doch viele ikonische Szenen hätten spielerisch noch stärker eingebunden werden können.

Der erste Super Saiyajin.
Gohans Verzweiflung gegen Cell.
Gokus Genkidama gegen Freezer.

Warum nicht interaktive Sequenzen?
Warum nicht Quick-Time-Momente, die Timing und Intensität verlangen?
Warum nicht Mechaniken, die den emotionalen Druck fühlbar machen?

Stattdessen bleiben viele dieser Momente reine Präsentation.

Das ist gut gemacht.
Aber es hätte mehr sein können.

Die Open World: Zwischen Kulisse und Möglichkeit

Kakarot ist kein echtes Open-World-Spiel, sondern eine Sammlung großer Zonen. Das funktioniert technisch.

Aber spielerisch bleibt viel ungenutzt.

Die Welt wirkt oft wie Transitfläche zwischen Story-Missionen. Nebenquests wiederholen sich strukturell. Sammelaktivitäten sind selten bedeutend. Viele Systeme existieren nebeneinander, greifen aber nicht ineinander.

Das Community-Board ist eines der interessantesten Systeme im Spiel, weil es zumindest strategisches Denken erfordert. Doch selbst hier fehlt langfristige Relevanz, da der Schwierigkeitsgrad lange Zeit zu niedrig war.

Ja, es gibt mittlerweile höhere Schwierigkeitsstufen.
Und das war ein wichtiger Schritt.

Doch selbst im Hard Mode bleibt die KI defensiv überschaubar. Gegner blocken selten aktiv. Teamkoordination findet kaum statt. Viele Kämpfe bleiben Schadensrennen statt taktische Auseinandersetzungen.

Hier wäre Luft gewesen:

Aggressivere KI.
Bessere Synergien bei Gruppen-Gegnern.
Adaptive Boss-Phasen.
Mehr variable Mechaniken pro Encounter.

Das Kampfsystem ist besser, als viele ihm zutrauen. Aber es wird nie voll gefordert.

Die DLCs: Erweiterung statt Evolution

Season Pass 1 erweiterte.
Season Pass 2 experimentierte.
Season Pass 3 vergrößerte.

Doch keiner dieser Pässe hat das Fundament grundlegend transformiert.

Das 23rd World Tournament war am nächsten dran. Bodenkampf, andere Dynamik, andere Prioritäten. Genau hier zeigte sich, was möglich gewesen wäre, wenn man mutiger gedacht hätte.

Das Debuff-System aus Daima war eine interessante Ergänzung. Warum blieb es isoliert? Warum wurde es nicht in das Hauptspiel integriert? Warum wurden neue Systeme nicht rückwirkend als Update in frühere Inhalte eingearbeitet?

Kakarot erweitert horizontal.
Aber es entwickelt sich kaum vertikal.

Die größte Stärke – und die größte Begrenzung

Kakarot ist ein Spiel, das auf Nostalgie baut.
Und Nostalgie trägt es weit.

Für Fans ist es eine Chronik.
Für Neueinsteiger ist es ein komprimiertes Erlebnis.

Doch genau hier entsteht ein Widerspruch.

Es erzählt die komplette Z-Saga.
Aber es nutzt nicht jede Möglichkeit, sie interaktiv erlebbar zu machen.

Es zeigt Vision.
Aber es geht selten den letzten Schritt.

Und das ist der Kern unserer Kritik.

Nicht, dass es schlecht ist.
Sondern dass es nicht maximal ist.

Wie viel Luft nach oben war – und ist

Dragon Ball ist eines der größten Anime-Franchises der Welt.

Ein Spiel dieser Größenordnung hätte sein können:

Eine vollständig spielbare Chronik von Kid Goku bis End of Z.
Mit progressiver Mechanikentwicklung.
Mit integrierter Trainingssimulation.
Mit dynamischen Bossphasen.
Mit kooperativen Nebenaktivitäten.
Mit echter Weltinteraktion.

Das Fundament war da.
Die Technik war da.
Die Inszenierung war da.

Was fehlte, war radikale Konsequenz.

Unser endgültiges Urteil

Dragon Ball Z Kakarot ist ein gutes Spiel.
Für Fans ist es mehr als das.

Es ist der beste Story-orientierte Dragon-Ball-Titel, den wir bisher bekommen haben. Es ist respektvoll. Es ist emotional. Es ist ambitioniert.

Aber es ist nicht das definitive Dragon Ball Erlebnis, das möglich gewesen wäre.

Es ist ein großer Schritt.
Kein finaler Sprung.

Und genau deshalb schreiben wir diesen Text nicht aus Enttäuschung, sondern aus Hoffnung.

Wenn CyberConnect2 und Bandai Namco auf diesem Fundament aufbauen und beim nächsten Mal konsequenter denken, dann kann daraus das entstehen, was Dragon Ball wirklich verdient.

Nicht weniger Vision.

Mehr Mut.

Mehr Tiefe.

Mehr Konsequenz.

Der Beitrag Dragon Ball Z Kakarot – Teil 5 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Der Daima Season Pass – Größe, Risiko und Routine

Mit Season Pass 3 betritt Dragon Ball Z Kakarot neues Terrain.
Nicht nur inhaltlich, sondern zeitlich.

Dragon Ball Daima ist kein abgeschlossener Klassiker wie die Z Saga.
Es ist modernes Dragon Ball.
Und genau deshalb fühlt sich dieser DLC anders an.

Der Daima Season Pass besteht aus zwei Teilen:

Dragon Ball Daima Part 1
Dragon Ball Daima Part 2

Beide zusammen bilden das bislang größte DLC Paket, das Kakarot erhalten hat.

Doch Größe allein entscheidet nicht über Wirkung.

Daima Part 1

Die größte Welt, die Kakarot je hatte

Der erste Teil von Daima überrascht nicht mit Bosskämpfen, sondern mit Raum.

Die dritte Dämonenwelt ist riesig.
Fliegen ist deaktiviert.
Erkundung findet vollständig am Boden statt.

Das verändert das Gefühl für Kakarot spürbar.
Sammelobjekte sind nicht mehr nur verstreut, sondern in Schatztruhen eingebettet. Dämonengerüchte lösen vertonte Dialoge aus. Die Welt fühlt sich dichter an.

Man läuft viel.
Man entdeckt viel.
Man sammelt viel.

Und hier wird klar:
Dieser DLC ist explorationsgetrieben.

Bosskämpfe gibt es nur zwei.
Beide hochwertig inszeniert.
Beide visuell stark.

Doch die geringe Anzahl fällt auf.

Hinzu kommt das bekannte Problem des Level Scalings. Zufällige Gegner skalieren mit, Story-Bosse nicht. Dadurch verlieren manche Kämpfe an Intensität.

Neu ist das Debuff-System.
Gift, Brennen, Paralyse, Kopfschmerzen.
Statuswerte spielen erstmals eine echte Rolle.

Kakarot wird taktischer.
Nicht komplexer, aber bewusster.

Daima Part 1 wirkt wie ein Experiment.
Weniger Kampf, mehr Welt.

Und genau darin liegt seine Stärke und seine Schwäche zugleich.

Daima Part 2

Mehr Balance, weniger Überraschung

Der zweite Teil korrigiert das Gewicht.

Weniger Exploration.
Mehr Bosskämpfe.
Mehr Fokus auf Inszenierung.

Die Kämpfe gegen Tamagami 2, gegen neue Gegnergruppen und vor allem gegen GMA gehören zu den stärksten Sequenzen, die CyberConnect2 je für Kakarot gebaut hat.

Die Cutscenes sind auf gewohnt hohem Niveau.
Die Hype-Momente sitzen.

Spielerisch fühlt sich Part 2 fordernder an.
Das Debuff-System greift stärker.
Die Schwierigkeit wirkt besser justiert.

Und dennoch entsteht ein anderes Gefühl.

Es fehlt der Überraschungsmoment.

Nach mittlerweile acht DLC Inhalten weiß man, wie Kakarot funktioniert.
Cutscene.
Bosskampf.
Nebenmissionen.
Postgame Training.

Es ist sauber umgesetzt.
Aber es ist vertraut.

Vegeta bekommt neue Moves und wirkt spielerisch sogar frischer als Goku.
Super Saiyajin 4 ist da.
Erwachsene Versionen sind spielbar, wenn auch nur in Storymomenten.

All das funktioniert.

Aber es revolutioniert nichts mehr.

Der Daima Pass im Gesamtbild

Season 3 ist groß.
Größer als alles davor.

Er bietet die weitläufigste Welt.
Er bietet fordernde Bosskämpfe.
Er bringt neue Systeme wie Debuffs.

Und trotzdem fühlt er sich weniger radikal an als das 23rd World Tournament DLC.

Warum?

Weil Kakarot inzwischen seine Struktur gefunden hat.

Daima Part 1 wagt viel bei der Weltgestaltung.
Daima Part 2 spielt sicherer und balanciert das Paket.

Zusammen ergeben sie ein solides, umfangreiches DLC Paket.

Aber sie sind nicht mehr die Überraschung.

Wo steht Kakarot jetzt

Mit Daima zeigt sich klar:

CyberConnect2 versteht Dragon Ball.
Sie verstehen Inszenierung.
Sie verstehen, wie man ikonische Momente spielbar macht.

Doch ebenso deutlich wird:

Die Formel steht.
Sie wird erweitert.
Sie wird optimiert.
Aber sie wird nicht mehr neu erfunden.

Und genau hier bereiten wir uns auf den letzten Teil unserer Reihe vor.

Im finalen Artikel ziehen wir das Gesamtfazit.

Wie stark war das Hauptspiel wirklich?
Welche DLC haben das Potenzial ausgeschöpft?
Wo wurde zu wenig gewagt?
Und was hätte Dragon Ball Z Kakarot sein können, wenn man konsequenter gedacht hätte?

Für jetzt bleibt:

Der Daima Season Pass ist der größte Abschnitt dieser Reise.
Aber nicht unbedingt der mutigste.

Und genau deshalb lohnt sich der abschließende Blick auf das Ganze.

Der Beitrag Dragon Ball Z: Kakarot – Teil 4 erschien zuerst auf Zockerfakten.

Season Pass 2 zwischen Ursprung, Risiko und offener Frage

Nach dem ersten Season Pass, der mit dem Trunks Kapitel seinen stärksten Moment fand, steht Season Pass 2 vor einer anderen Aufgabe. Er erweitert nicht nur. Er greift tiefer in das Erbe von Dragon Ball ein.

Drei DLCs bilden diesen Pass.

Bardock Alone Against Fate
23rd World Tournament
Goku’s Next Journey

Drei Perspektiven, die sich bewusst anders anfühlen als die Inhalte davor und gerade deshalb verdienen sie eine genauere Betrachtung.

Bardock Alone Against Fate

Der Anfang vor dem Anfang

Der Auftakt von Season Pass 2 führt uns zurück zu Bardock und nach Planet Vegeta. Und erstmals fühlt sich ein DLC Gebiet wirklich neu an. Planet Vegeta ist kein Remix, sondern ein eigener Raum mit NPCs, Gebäuden, Nebenmissionen und spürbarer Atmosphäre.

Inszenatorisch bleibt CyberConnect2 verlässlich. Cutscenes, Musik und Präsentation sitzen. Dazu kommen Bosskämpfe, die sich deutlich abheben, allen voran Freezer in seiner ersten Form, einer der stärksten Kämpfe im gesamten Spiel.

Gleichzeitig entsteht hier ein Spannungsfeld. Bardock wird als Kämpfer und Vater gezeigt, doch die moralische Härte der Saiyajins bleibt zunächst eher im Hintergrund und wird erst später klarer angedeutet.

Spielerisch setzt der DLC stärker auf Gruppenkämpfe. Das bringt Abwechslung, doch in der Häufung verliert es etwas von der Intensität, die die besten Eins gegen Eins Momente auszeichnet.

Bardock Alone Against Fate ist hochwertig produziert. Es wirkt aber eher wie ein Übergang, nicht wie der Höhepunkt des Passes.

23rd World Tournament

Der mutigste Schritt

Dann kommt das Kapitel, das sich am stärksten vom bisherigen Kakarot Gefühl absetzt. 23rd World Tournament bringt Original Dragon Ball in den Mittelpunkt und führt ein neues Kampffundament ein. Bodenkampf statt Flugdominanz.

Das System fühlt sich frischer an, weil es neue Prioritäten setzt. Positioning, Sprungtiming, Launcher Kombos, Ring Out Regeln. Goku spielt sich hier wie eine neue Figur. Tenshinhan ist spielbar, und man merkt, dass dieser Abschnitt bewusst anders gedacht wurde.

Die Hauptstory ist kompakt, aber konzentriert. Kaum Füllmaterial, viele direkte Kämpfe, klare Dramaturgie. Dadurch wirkt es nicht groß, aber konsequent.

Natürlich gibt es Reibungspunkte. Das Ring Out System wirkt stellenweise nicht optimal erklärt. Knockdowns nehmen manchen Storykämpfen Spannung. Trotzdem ist dieser DLC ein Statement.

Er ist vielleicht nicht der längste Inhalt, aber einer der mutigsten.

Goku’s Next Journey

Ein riskanter Abschluss

Mit Goku’s Next Journey widmet sich Season Pass 2 dem Ende von Z. Dem Zeitsprung nach Kid Buu, dem 28. Turnier und Uub.

Das Problem ist hier nicht die Umsetzung, sondern die Ausgangslage. End of Z ist als Arc kurz und lebt vom Gefühl eines Abschieds. Um daraus ein vollwertiges DLC zu machen, erweitert das Spiel den Abschnitt mit Nebenmissionen und einer Bonus Saga.

Inszenierung und Cutscenes funktionieren. Manche Momente gehören zu den cinematisch stärkeren Sequenzen der DLC Inhalte. Spielerisch kombiniert der DLC Bodenkampf und Flug, also Systeme, die zuvor aufgebaut wurden.

Und trotzdem bleibt ein Punkt hängen, der eher erzählerisch ist als mechanisch. Im Kontext von Dragon Ball Super wirkt End of Z heute anders. Dieses DLC entscheidet sich bewusst dagegen, eine Brücke zu schlagen und bleibt beim klassischen Z Abschluss.

Das ist respektvoll. Aber es lässt Fragen offen.

Season Pass 2 als Gesamtbild

Season Pass 2 wirkt experimenteller als Season Pass 1.

Bardock Alone Against Fate erweitert die Welt und liefert starke Bossmomente.
23rd World Tournament erfindet das Kampfsystem teilweise neu und zeigt, was Fokus leisten kann.
Goku’s Next Journey versucht einen würdigen Abschluss zu gestalten, auch wenn das moderne Dragon Ball Universum heute größer ist als damals.

Nicht jeder Teil ist gleich stark. Nicht jeder Teil ist gleich mutig. Aber es ist spürbar, dass hier mehr ausprobiert wurde.

Gerade das Turnier Kapitel zeigt, was passiert, wenn Konsequenz wichtiger ist als reine Spielzeit. Und gerade im End of Z Kapitel merkt man, wie schwer es ist, einen Abschluss neu zu erzählen, der inzwischen in einem erweiterten Universum steht.

Der Blick nach vorne

Mit Season Pass 2 zeigt Kakarot zwei Seiten. Es kann sich weiterentwickeln. Es kann neue Systeme einführen. Es kann hochwertige Arc Qualität liefern. Gleichzeitig bleibt die größte Stärke dort, wo Inszenierung und emotionale Chronik zusammenkommen.

Im nächsten Teil unserer Reihe widmen wir uns dem aktuellen Daima DLC Pass. Und dort wird sich zeigen, ob Kakarot weiter experimentiert oder ob es versucht, die Reise noch einmal neu zu bündeln.

Am Ende dieser Reihe folgt unser finales Fazit.

Für jetzt bleibt:

Season Pass 2 ist nicht gleichmäßig, aber er ist der mutigste Abschnitt dieser gesamten Kakarot Reise.

Der Beitrag Dragon Ball Z: Kakarot – Teil 3 erschien zuerst auf Zockerfakten.

RIP Akira Toriyama

Gestern haben wir über das Hauptspiel gesprochen.
Über Erinnerungen.
Über Emotion.
Über das Vermächtnis einer Ära.

Und gerade an einem Tag, an dem wir erneut Akira Toriyama gedenken, fällt es schwer, nüchtern über Erweiterungen zu sprechen.

Doch wenn ein Werk wie Dragon Ball Z: Kakarot als Liebesbrief funktioniert, dann ist es nur konsequent, auch seine Weiterentwicklung ehrlich zu betrachten.

Nicht aus Härte.
Sondern aus Wertschätzung.

DLC Pass 1 – Zwischen Experiment und Meisterstück

Nach unserem Blick auf das Hauptspiel richten wir den Fokus nun auf den ersten DLC Season Pass von Dragon Ball Z: Kakarot.

Und dieser Pass ist spannender, als man zunächst denkt.

Er beginnt vorsichtig.
Er schwankt.
Und er endet stark.

A New Power Awakens – Part 1

Der Beerus Fokus

Der erste Teil konzentriert sich nahezu vollständig auf den Kampf gegen Beerus.

Training mit Whis.
Neue Transformation.
Ein hochstufiger Bosskampf.

Als reine Gameplay-Erweiterung funktioniert das. Der Beerus-Kampf gehört zu den forderndsten Auseinandersetzungen im gesamten Spiel und bietet endlich eine Herausforderung, die das Kampfsystem ernsthaft ausreizt.

Doch erzählerisch bleibt dieser DLC auffällig dünn.

Das Super-Saiyajin-Gott-Ritual wird lediglich als Bildabfolge dargestellt. Cutscenes sind auf ein Minimum reduziert. Die Episode wirkt weniger wie eine Erweiterung der Z-Saga, sondern eher wie ein Boss-Modul mit Freischaltfunktion.

Hinzu kommt ein Balance-Problem.
Die Whis-Missionen liefern enorme XP-Schübe. Wer diese nutzt, überlevelt große Teile des Hauptspiels mühelos.

Part 1 ist spielerisch solide, aber erzählerisch zurückhaltend.
Und genau deshalb wirkt er wie ein Experiment.

A New Power Awakens – Part 2

Golden Freezer und die Rückkehr der Inszenierung

Mit dem zweiten Teil korrigiert CyberConnect2 den Kurs.

Hier wird Resurrection F nacherzählt, und genau darin liegt die Stärke. Kakarot funktioniert am besten, wenn es ikonische Momente inszenieren darf.

Freezers Transformation.
Vegeta in seiner neuen Form.
Die Zerstörung der Erde.

Diese Sequenzen gehören zu den stärksten DLC-Cutscenes des Spiels. Sie erinnern daran, warum das Hauptspiel emotional getragen hat.

Neu hinzu kommt ein Horden-Modus, der die Invasion Freezers darstellen soll. Die Idee ist stark, die Umsetzung spielerisch jedoch repetitiv. Die Kamera kämpft gelegentlich mit der Übersicht, und strategisch reduziert sich vieles auf das saubere Verwalten von Assist-Kombos.

Trotzdem wirkt Part 2 runder als sein Vorgänger.
Er versteht wieder besser, wo Kakarots Kern liegt.

Trunks – The Warrior of Hope

Der Wendepunkt

Und dann kommt Trunks.

Der dritte Teil des DLC Season Passes ist nicht einfach nur eine Ergänzung.
Er ist eine vollständige Arc-Neuerzählung.

Der Future-Trunks-Arc erhält hier die Aufmerksamkeit, die man sich für DLC gewünscht hat. Zerstörte Städte, eine düstere Atmosphäre, Androiden als reale Bedrohung. Zum ersten Mal fühlt sich Kakarot nicht nur nostalgisch, sondern gefährlich an.

Die Beziehung zwischen Gohan und Trunks wird vertieft. Dialoge während des Reisens entwickeln Charaktere weiter. Cutscenes sind zahlreich, hochwertig und emotional stark.

Spielerisch bringt dieser DLC neue Talentbäume, angepasste Movesets und mehrere eigenständige Bosskämpfe mit. Der Umfang liegt deutlich über den beiden vorherigen Episoden.

Besonders bemerkenswert ist, dass die Story nach dem bekannten Androiden-Arc nicht endet. Ein zusätzlicher Handlungsstrang erweitert die Erfahrung noch einmal deutlich und bringt neuen erzählerischen Raum.

Trunks: The Warrior of Hope ist kein Nebenprodukt.
Es ist ein eigenständiger Story-Block.

Und hier zeigt sich erstmals klar, welches Potenzial in Kakarot wirklich steckt.

Ein DLC Pass mit klarer Entwicklung

DLC Season Pass 1 ist kein einheitliches Werk.

Er beginnt als Gameplay-Erweiterung.
Er wird zur soliden Story-Adaption.
Und er endet als vollwertige Arc-Neuerzählung.

Für Fans lohnt sich vor allem der dritte Teil.
Für reine Gameplay-Spieler bietet der erste Teil die größte Herausforderung.
Für Story-Liebhaber ist Trunks das eigentliche Highlight.

Und genau hier wird die zentrale Frage für unsere Reihe greifbarer:

Warum wirkte das Hauptspiel stellenweise größer als seine ersten Erweiterungen?
Und warum brauchte es drei Episoden, um dieses Niveau wieder vollständig zu erreichen?

Der Blick nach vorne

Mit DLC Season Pass 1 wurde das Fundament erweitert, aber auch geprüft.

Neue Transformationen.
Neue Levelcaps.
Neue Bosskämpfe.
Und erstmals ein DLC, der erzählerisch mit dem Hauptspiel mithalten kann.

Im nächsten Teil unserer Reihe widmen wir uns DLC Pass 2.
Und dort wird sich zeigen, ob der Trunks-Moment ein Ausreißer war oder der Beginn einer konstanteren Qualität.

Am Ende dieser Reihe fassen wir alles zusammen.

Für jetzt bleibt:

DLC Season Pass 1 ist ein Auf und Ab.
Aber er endet mit einem echten Statement.

Der Beitrag Dragon Ball Z: Kakarot – Teil 2 erschien zuerst auf Zockerfakten.